John Cage y el arte experimental. La anarquía del silencio

Del 23 de octubre al 10 de enero en el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) se puede disfrutar de la completa y magnífica exposición John Cage y el arte experimental: La anarquía del silencio. Recopilación y muestra de más de 200 obras del genial artista que muestran el desarrollo de su obra a lo largo de toda su carrera. La exposición comprende escritos, partituras y material audiovisual del artista, así como trabajos de Duchamp, Warhol, Flauschenberg, Fluxus, etc.

Primera gran retrospectiva en España del compositor de vanguardia norteamericano John Cage, uno de los artistas más influyentes del siglo XX cuyas propuestas estéticas de naturaleza muy diversa, le convierten en un artista integral. El arte como proceso paralelo a la vida.

"Su nombre resulta muy familiar, pero su obra no es conocida de manera extensa y profunda. John Cage (1912-1992) definió una práctica tan radical de la composición musical que cambió el curso de la música moderna en el siglo pasado, y configuró un nuevo horizonte conceptual para el arte de posguerra. Con el fin de plasmar la relevante contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición que se dedica a este artista en el ámbito internacional desde su muerte.

La muestra traza un recorrido por la trayectoria del artista, desde sus primeras obras de la década de 1930, las piezas que ampliaron los parámetros de la música de percusión incorporando los instrumentos menos convencionales, pasando por su «piano preparado», hasta su famosa teoría sobre el «silencio» (y la composición 4'33") y su despliegue rompedor del azar y luego la indeterminación, y culmina con su innovadora obra multimedia, que empezó en la década de 1960 y prosiguió hasta la de 1980. Una de las secciones principales de la exposición muestra la red de repercusiones a medida que la radical transformación conceptual de la «composición» por parte de Cage introducía las estrategias del arte avanzado. Una trayectoria enmarcada por los diálogos con artistas –Marcel Duchamp y Robert Rauschenberg, entre muchos otros– que reacciona ante los mismos medios de comunicación incipientes que Andy Warhol.

La exposición revela las estrategias radicales utilizadas por Cage para perfeccionar la composición y ampliar sus parámetros, forjando un nuevo camino relevante para la generación de artistas post-Pollock. En un momento en que la pintura moderna y la subjetividad dejaban de ser fórmulas viables de la práctica artística, Cage impartía clases de composición experimental a una nueva generación de artistas en la New School for Social Research de Nueva York (1956-1960). Muchos de los alumnos de Cage y coetáneos suyos hallarían pronto su lugar en el centro de las nuevas vanguardias, desde Fluxus hasta el arte conceptual. Cage pasó a ser de este modo una de les fuerzas vivas tras el giro copernicano del arte de la posguerra a principios de la década de 1960, situado en la cúspide de la modernidad y la posmodernidad.

Las grabaciones de sonidos, los filmes, las músicas y los materiales documentales dan una idea del extraordinario alcance de las innovaciones conceptuales y teóricas de Cage. Para ilustrarlo, la exposición presenta una parte de la obra que llevó a cabo en colaboración con otros artistas, desde la música que compuso para amplificar la experiencia visual de los rotorrelieves de Marcel Duchamp al principio de su trayectoria (1947) hasta la colaboración músico-poética con su compañero anarquista Jackson Mac Low, pasando por las obras con luz aleatoria, sombras y sonidos ambiente de la ciudad de Nueva York realizadas como parte del proyecto «Experimentos en arte y tecnología» de Rauschenberg. Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI. Los hitos de su obra revelan un «Cage conceptual» y se expondrán en relación directa con obras clave de contemporáneos suyos que compartieron sus compromisos con lo nuevo, lo no subjetivo y lo cambiante, y abrazaron la tecnología que redefiniría toda la experiencia perceptiva: desde White Paintings de Rauschenberg (1951) y Box with the Sound of its Own Making de Robert Morris (1961) hasta el nuevo mediascape de «Exploding Plastic Inevitable» de Warhol, y más allá".

Comisaria: Julia Robinson

Producción: Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con el Henie Onstad Kunstsenter, Hovikodden

Enlaces:

• MACBA: John Cage y arte experimental: La anarquía del silencio
• John Cage: http://www.johncage.info/
• Last.fm John Cage (fotos, audio y vídeo): http://www.lastfm.es/music/John+Cage/

Vídeo YouTube. La anarquía del silencio: John Cage y el arte experimental en el MACBA. Julia Robinson, Comisaria.

Vídeo YouTube: John Cage about silence

Vídeo YouTube: John Cage. Dream (1948).

Vídeo YouTube: John Cage. Suite for Toy Piano. Performed by Steve Butters.

Vídeo YouTube: John Cage 4'33'' for piano (1952)

Vídeo YouTube. Sonata V de "Sonatas and Interludes" para piano preparado de John Cage. Bobby Mitchell (piano) y Katy Mitchell.

Vídeo YouTube: John Cage. Bacchanale, for prepared piano" (por Stephen Drury).

Vídeo YouTube: Marcel Duchamp and John Cage. Dreams that Money can Buy es un film de 1947 producido y dirigido por el artista surrealista y teórico del cine dadá Hans Richter en el que participaron otros muchos artistas (Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray, Alexander Calder, Darios Milhaud y Fernand Léger). Este es el fragmento (Disc) de Duchamp con música de John Cage.

Vídeo YouTube 27 sounds manufactured in a kitchen. John Cage.

Vídeo YouTube: Documental sobre John Cage y sus trabajos /performances, dirigido por Peter Greenaway, parte de la serie "Four American Composers" (1983).

Día Internacional del Patrimonio: 18 de abril

El Dia Internacional de los Monumentos y Sitios fue instaurado por ICOMOS (International Council on Monuments and Sites) el 18 de abril de 1982, y posteriormente aprobado por la por la UNESCO en su 22ª Sesión de la Conferencia General, en 1983. Este día especial ofrece une buena oportunidad para sensibilizar al público sobre la diversidad del patrimonio en el mundo y sobre los esfuerzos que requiere su protección y su conservación, asi como llamar su atención sobre su vulnerabilidad. (Sitio web del Día Internacional del Patrimonio http://18april.icomos.org/)

Constatando que el patrimonio cultural y el patrimonio natural están cada vez más amenazados de destrucción, no sólo por las causas tradicionales de deterioro sino también por la evolución de la vida social y económica que las agrava con fenómenos de alteración o de destrucción aún más temibles, la “Convención para la protección del patrimonio mundial cultural y natural” fue aprobada por la UNESCO en Noviembre de 1972. En ella se define qué es patrimonio cultural y qué es patrimonio natural, y se especifican los criterios que se deben aplicar para que un bien patrimonial pueda ser incluido en la Lista del Patrimonio Mundial.

Se considerarán patrimonio cultural:

• Los monumentos: obras arquitectónicas, de escultura o de pintura monumentales, elementos o estructuras de carácter arqueológico, inscripciones, cavernas y grupos de elementos, que tengan un valor universal excepcional desde el punto de vista de la historia, del arte o de la ciencia.
• Los conjuntos: grupos de construcciones, aisladas o reunidas, cuya arquitectura, unidad e integración en el paisaje les dé un valor universal excepcional desde el punto de vista de la historia, del arte o de la ciencia.
• Los lugares: obras del hombre u obras conjuntas del hombre y la naturaleza así como las zonas incluidos los lugares arqueológicos que tengan un valor universal excepcional desde el punto de vista histórico, estético, etnológico o antropológico.

Se considerarán patrimonio natural:

• Los monumentos naturales constituidos por formaciones físicas y biológicas o por grupos de esas formaciones que tengan un valor universal excepcional desde el punto de vista estético o científico.
• Las formaciones geológicas y fisiográficas y las zonas estrictamente delimitadas que constituyan el habitat de especies animal y vegetal amenazadas, que tengan un valor universal excepcional desde el punto de vista estético o científico.
• Los lugares naturales o las zonas naturales estrictamente delimitadas, que tengan un valor universal excepcional desde el punto de vista de la ciencia, de la conservación o de la belleza natural.

Los bienes culturales deben:

• Representar una obra maestra del genio creativo humano, o
• Ser la manifestación de un intercambio considerable de valores humanos durante un determinado período o en un área cultural específica, en el desarrollo de la arquitectura, las artes monumentales, la planificación urbana o el diseño paisajístico, o
• Ser y aportar un testimonio único o por lo menos excepcional, de una tradición cultural o de una civilización desaparecida o que sigue viva, o
• Ser un ejemplo sobresaliente de un tipo de edificio o de conjunto arquitectónico o tecnológico, o de paisaje que ilustre una etapa significativa o etapas significativas de la historia de la humanidad, o
• Constituir un ejemplo sobresaliente de hábitat o establecimiento humano tradicional, representativo de una cultura o de culturas ahora vulnerables por el impacto de un cambio irreversible, o
• Estar directa y perceptiblemente asociado con acontecimientos o tradiciones vivas, ideas o creencias de importancia, o con obras artísticas o literarias de significado universal excepcional. Son también importantes: El criterio de autenticidad en lo que a diseño, materiales, mano de obra o marco se refiere como factor adicional, será también tenido en cuenta que el estado de preservación del bien debe ser relevantemente evaluado, es decir, comparándolo con el estado de otros bienes semejantes del mismo período.

Los bienes naturales deben:

• Ser ejemplos sobresalientes y representativos de los diferentes períodos de la historia de la Tierra, incluyendo el registro de la evolución, de los procesos geológicos significativos en curso, del desarrollo de las formas terrestres, o de elementos geomórficos o fisiográficos significativos, o
• Contener fenómenos naturales extraordinarios o áreas de una belleza natural y una importancia estética excepcionales, o
• Contener los hábitats naturales más importantes y más representativos para la conservación in situ de la diversidad biológica, incluyendo aquellos que alberguen especies amenazadas que posean un valor universal excepcional desde el punto de vista de la ciencia o la conservación. También son criterios importantes la protección, la administración y la integridad del sitio.

Enlaces sobre Patrimonio:

• Sitio web del Patrimonio Mundial: http://whc.unesco.org/fr/accueil/
• Convención de la UNESCO: http://portal.unesco.org/es/ev.php-URL_ID=13055&URL_DO=DO_TOPIC&URL_SECTION=201.html
• ICOMOS: http://www.international.icomos.org/
• Patrimonio Mundial en España: http://www.patrimonio-mundial.com/
• Lista del Patrimonio Mundial: http://whc.unesco.org/en/list/ y http://www.patrimonio-humanidad.com/pagina.php?id=27
• Lista del Patrimonio Mundial en peligro: http://whc.unesco.org/en/danger/
• Patrimonio Español de la Humanidad: http://www.patrimonio-humanidad.com/pagina.php?id=21
• Patrimonio Histórico Español: http://www.mcu.es/patrimonio/
• Patrimonio Inmaterial de la UNESCO: http://www.patrimonio-humanidad.com/pagina.php?id=28
• Reservas de la Biosfera en España. http://www.patrimonio-humanidad.com/pagina.php?id=30

Para conmemorar este día, 18 de abril, la entrada a todos los museos gestionados por el Ministerio de Cultura de España es gratuita. Entre ellos se encuentran: Museo Arqueológico Nacional, Museo Cerralbo, Museo de América, Museo del Traje. CIPE, Museo Nacional de Antropología, Museo Nacional de Artes Decorativas, Museo Nacional de Reproducciones Artísticas, Museo Romántico y Museo Sorolla, todos ellos en Madrid.

También celebrarán esta jornada de puertas abiertas gratis el Museo Casa de Cervantes y el Museo Nacional Colegio de San Gregorio, de Valladolid; el Museo del Greco y el Museo Sefardí, de Toledo; el Museo Nacional de Arqueología Subacuática ARQUA, de Cartagena; el Museo Nacional de Arte Romano, de Mérida; el Museo Nacional de Cerámica y de las Artes Suntuarias 'González Martí', de Valencia; el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, en Santillana del Mar, y el Museo del Teatro de Almagro.

Museos, parquetematización, frikismo cultural y multitudes ¿inteligentes?

A veces se critica el frikismo de la red, como si éste fuera un fenómeno nuevo. Sin embargo, en el mundo analógico, también hay numerosos ejemplos.

Siempre han existido museos insólitos y también prima el turismo extravagante, puesto que a la gente le gustan las excentricidades. Hay un Museo del Pene en Islandia (también llamado faloteca), un museo del Diablo en Lituania, un museo de cerillas en Suecia, un museo de los calcetines en Japón (con más de 20.000 muestras), museos de cera por todo el mundo, etc. En Estocolmo (Suecia), se va a poner en marcha un museo de más de 70.000 m2 dedicado al grupo musical ABBA, grupo que se disolvió allá por 1984, pero que sigue vendiendo 3 millones de discos al año, aunque parece que esto les sabe a poco. Los ejemplos de museos analógicos "frikis" son incontables.

Museo del diablo en Kaunas (Lituania) y Museo del Pene en Húsavík (Islandia)

Antes, como ahora, eran corrientes los museos de animales fenómenos y de criaturas monstruosas. Cada pueblo quiere tener su propio museo para promocionarse y para atraer el turismo y… sobre todo, para atraer divisas. Esto lo practican tanto los alcaldes de las ciudades globales, como los de los pequeños pueblos y aldeas rurales.

Exposición sobre la Vida extraterrestre en el Museo de la Ciencia y Planetario (Miami) y Museo de Animales Fenómenos en Tacna (Perú)

La parquetematización va en aumento. Los parques temáticos son recintos o espacios normalmente organizados en torno a una línea argumental que les sirve de inspiración. Son espacios para el ocio y el entretenimiento y, ocasionalmente, para la educación y la cultura. Y no sólo atraen a la población infantil y juvenil. Muchas empresas, fábricas, compañías cinematográficas o de medios de comunicación de masas, organismos e instituciones crean estos “museos” de coches, chocolates, quesos, vinos, etc; bien para promocionar sus productos comerciales, bien para promocionar la propia empresa.

Algunos de estos parques están más cerca de los parques de atracciones (tipo Terra Mítica), pero otros, como los Museos de Ciencias enfocados a los niños, pueden ser una buena herramienta para la difusión y divulgación de la ciencia. También hay museos temáticos que intentan atraer al turismo y a la población con otro tipo de actividades que no persiguen únicamente el lucro económico, sino que tienen mucho que ver con la educación cívica, la protección del medio ambiente o con la divulgación de aspectos científicos, tecnológicos, históricos, antropológicos, etc. Sin embargo, ¿cuál es la línea que divide las dos porciones de la máxima de Horacio? ¿Cuánto hay que poner de enseñar? Y ¿cuánto de deleitando? ¿Cómo separar el grano de los objetos museísticos, de la paja de la publicidad o de la propaganda? ¿Cuándo la obra se transmuta en producto? ¿Hasta qué punto no se han convertido los propios museos en parques temáticos?

¿Constituyen el aumento de visitantes y la masificación de los públicos, fines en sí mismos a tenor de las colosales dimensiones con que se diseñan los museos actuales para albergar y contener a muchedumbres indiscriminadas?

En esta imagen vemos el blog del Museo viviente. Friki Freeze 2008. Se trata de una cita, a través de la web, para convocar la celebración de la fiesta del orgullo friki en Madrid. ¿Constituyen sus participantes una muchedumbre inteligente?

El concepto de multitudes inteligentes fue introducido por Howard Rheingold en su libro Multitudes inteligentes. La próxima revolución social. Barcelona, Gedisa, 2004.

Según la wikipedia, "las multitudes inteligentes (smart mobs, flash mobs o mobs en inglés) se organizan espontáneamente a través de Internet o de dispositivos móviles de comunicación con fines que puede ser completamente lúdicos (como en el ejemplo de la imagen de la derecha: convocatoria de estatuas vivientes frikis) o con fines que tienen una fuerte carga política. Los participantes no son actores que representan una función, sino que son personas reales que interactúan libremente con un fin común.

Los políticos y los profesionales de la publicidad y las relaciones públicas se plantean si es posible utilizar las multitudes inteligentes para conseguir algún objetivo determinado, como puede ser el lanzamiento o la revitalización de un producto o la movilización social con fines propagandísticos."

Rheingold afirma que cuando escribió su libro "Multitudes Inteligentes", tenía 2 ejemplos en mente: las manifestaciones de ciudadanos filipinos que contribuyeron a derrocar el régimen de Estrada, así como las movilizaciones de Seattle contra la Organización Mundial del Comercio, ambas convocadas y organizadas a través de móviles y de medios en Internet.

Después se produjeron otros acontecimientos similares en otras zonas del mundo, como cuando los ciudadanos en este país se manifestaron en masa después del 11-M, pues no aceptaban las declaraciones iniciales del PP, que atribuían a ETA la autoría del atentado del 11-M y recurrieron a la comunicación masiva a través de Internet y del móvil para emprender movilizaciones contra la guerra de Irak y contra las mentiras del gobierno. Vía SMS, en foros de Internet y mediante el boca a boca corrió el siguiente mensaje: “A las 6. Sede PP, calle Génova, sin partidos silencio por la verdad”, “Hoy a las 6, en Génova, exigiendo información veraz pásalo.”

Las manifestaciones no fueron consecuencia de los mensajes de correo electrónico y de los SMS, pero quienes tenían motivos para actuar encontraron un nuevo medio para recabar información, publicar mensajes, organizarse y salir a la calle.

Según las consideraciones anteriores ¿es una fiesta de frikis una muchedumbre inteligente?

En realidad, estas fiestas frikis donde los asistentes van vestidos de StarTreks, de personajes de la Guerra de las Galaxias o del Señor de los Anillos, u otros superhéroes similares, no son más que una variante actualizada de los típicos y tópicos carnavales o fiestas populares de toda la vida que, desde antiguo se han celebrado en todos los pueblos a lo largo y ancho de nuestra geografía, donde el disfraz permite el juego, la jarana y la diversión. De la misma forma, se puede afirmar que los carnavales son la versión 1.0 de los actuales juegos de rol.

Recordemos que para celebrar los festejos populares, ahora es muy corriente recurrir al marketing vivo donde actores profesionales se visten de romanos, cervantinos, goyescas, damas y trovadores, reyes, mendigos, etc. y vuelven los mercados y ferias medievales, barrocas, renacentistas, precolombinas, griegas, romanas, árabes, etc.

Surgen también los mercados de época o las ferias temáticas agrícolas, ganaderas o artesanas para promocionar los productos de la tierra. En un mundo tecnificado en el que los niños tienen que ir a granjas escuela para ver un pollo en vivo o en directo o para saber que la leche no viene del tetrabrick, sino que hay que ordeñar las vacas, igual que en los parques de Disney hay personajes disfrazados de Mickey, encontramos sabios locos en los museos de ciencia, algún que otro Don Quijote en las bibliotecas o Goyas redivivos en las pinacotecas.

Trasladando nuestra pregunta al caso de los museos ¿pueden ser sus públicos masificados, muchedumbres inteligentes? Se trata de la eterna dicotomía entre cultura para el pueblo y cultura para las élites y de las fronteras que ha diluido la actual cultura de masas. Si bien fundamentada en una presunta "democratización", hay que considerar los límites que ésta impone, ya que se basa en una cultura comercial y en una sociedad de consumo apoyada por los medios de comunicación y la omnipresente publicidad. Como siempre, nos encontramos en los bordes de lo que se considera arte e industria, objeto artístico y producto comercial, espectador y consumidor, etc. Todo dependerá de las dosis de banalización, espectacularidad y mercadotecnia con que se aderece el "producto cultural". De estos públicos masificados, algunos individuos habrá que mantengan el espíritu crítico, y se enriquezcan culturalmente hablando, con el acceso a determinados bienes culturales que, a pesar de todo, siguen manteniendo un valor no comercial.

Por otro lado, si los museos se han trasladado a la red como espacios de exposición, difusión, creación e información; también prima su traslado a la red como espacio "parquetematizado". Se podría decir que Secondlife, es en sí mismo un parque temático en la red. En este mundo virtual podemos visitar espacios que simulan un museo o que por su temática específica pueden ser considerados como tales. Vemos aquí 2 ejemplos de museos en Secondlife: El museo del metaverso y el Museo de armas históricas.

Museo del metaverso y Museo de armas históricas

Y, finalmente, podemos hallar en la red, ejemplos de parquetematización elevados al cubo, como esta recreación del museo del Louvre en Secondlife.

SecondLouvre Museum

Nuevos museos y nuevos conceptos de museo

En 1786, el rey Carlos III aprueba el majestuoso proyecto arquitectónico del Museo del Prado diseñado por Juan de Villanueva.

En 2008, la princesa Beatriz de Holanda, inaugura el Museo Corpus.

Inauguración del museo Corpus, Oegstgeet (Holanda) por la princesa Beatriz de Holanda y el director del museo Henri Remmers. Corpus Experience http://www.corpusexperience.nl

La institución monárquica parece haber cambiado muy poco a lo largo de estos 200 años, pero ¿y la institución museística?

El Museo -o la atracción educativa- Corpus combina lo lúdico con lo educativo. Se trata de un museo interactivo de 35 m. de altura con forma de una figura humana sentada, junto a un edificio de 7 pisos.

El viaje dentro del museo, a través de rutas de fibra de vidrio pintadas en vivos colores (a modo de arterias, fibras musculares y órganos), combina los efectos especiales con la divulgación científica sobre el cuerpo humano. Los pasillos de las venas y las paredes del estómago recuerdan a los pasajes del terror, mientras que las explicaciones, recibidas a través del móvil, se asemejan a una clase de Ciencias.

Los visitantes se convierten en pasajeros de un viaje alucinante y, en el Teatro del útero, pueden ver una película en 3 dimensiones, dedicada a la fecundación.

El recorrido empieza en la rodilla y culmina 50 minutos después en el cerebro, donde las neuronas iluminan una bóveda parecida a un planetario personal. Allí, CORPUS ofrece un centro interactivo de información médica pensada para niños y mayores, donde poder consultar dudas y preguntas.

El creador del museo, Harry Remmers, explicó que la idea le surgió mientras veía un documental sobre cómo los fetos interactúan con el mundo exterior desde el vientre de su madre. "Entonces pensé en lo interesante que sería una atracción en la que existiese comunicación e interacción con las funciones de tu propio cuerpo".

¿Sueñan los museólogos con ovejas eléctricas?

El viaje comenzó en una rodilla del Museo Corpus. Nuestra ruta comenzará en un nodo y seguirá por una arteria de la red para conectar con el cerebro compartido de la Web 2.0. Nos adentraremos en el estómago y el corazón del museo, hasta llegar a la utopía -o distopía- actual del patrimonio cultural como experiencia.

¿Sueñan los museólogos con ovejas eléctricas?

¿Han visto los androides del patrimonio, algo que nosotros jamás creeríamos, atacar museos en llamas más allá de Orión?

Colectivo Bestiario: http://www.bestiario.org/

Todos esos momentos ¿se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia?

Grandes transformaciones tecnológicas y culturales

A la hora de analizar los cambios que se han producido en el concepto de patrimonio cultural, hay que tener en cuenta tanto los transformaciones tecnológicas que se han producido en los últimos años, como los cambios culturales y de paradigma que han tenido lugar en relación al mismo.

Estos 2 grandes bloques de transformaciones (el cambio tecnológico y el cambio cultural) no son causa-efecto uno de otro, sino que están íntimamente relacionados e imbricados y se influyen mutuamente. Destacamos a continuación ambos cambios:

Cambios tecnológicos:

• Internet (la era del acceso)
• El hipertexto y la World Wide Web (conectividad, multimedialidad y multisecuencialidad)
• Nuevos soportes de lectura y escritura
• Nuevas interfaces de acceso a la información
• Web 1.0 Información y Comunicación
• Web 2.0 Participación, colaboración e interacción

Cambios culturales:

• El arte sale del museo
• El arte se instala en las pantallas
• El arte se instala en el laboratorio
• El arte se instala en espacios abiertos
• Del arte como objeto al arte como proceso
• Nuevos materiales
• Del espectador al interactor
• Nuevos medios de comunicación
• El gestor se convierte en mediador, dinamizador y catalizador cultural

En suma, todas estas transformaciones han conducido a un cambio en los soportes, un cambio en los contenidos, un cambio en los modos de producción y difusión y un cambio en los modos de relación con el patrimonio cultural.