John Cage y el arte experimental. La anarquía del silencio

Del 23 de octubre al 10 de enero en el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) se puede disfrutar de la completa y magnífica exposición John Cage y el arte experimental: La anarquía del silencio. Recopilación y muestra de más de 200 obras del genial artista que muestran el desarrollo de su obra a lo largo de toda su carrera. La exposición comprende escritos, partituras y material audiovisual del artista, así como trabajos de Duchamp, Warhol, Flauschenberg, Fluxus, etc.

Primera gran retrospectiva en España del compositor de vanguardia norteamericano John Cage, uno de los artistas más influyentes del siglo XX cuyas propuestas estéticas de naturaleza muy diversa, le convierten en un artista integral. El arte como proceso paralelo a la vida.

"Su nombre resulta muy familiar, pero su obra no es conocida de manera extensa y profunda. John Cage (1912-1992) definió una práctica tan radical de la composición musical que cambió el curso de la música moderna en el siglo pasado, y configuró un nuevo horizonte conceptual para el arte de posguerra. Con el fin de plasmar la relevante contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición que se dedica a este artista en el ámbito internacional desde su muerte.

La muestra traza un recorrido por la trayectoria del artista, desde sus primeras obras de la década de 1930, las piezas que ampliaron los parámetros de la música de percusión incorporando los instrumentos menos convencionales, pasando por su «piano preparado», hasta su famosa teoría sobre el «silencio» (y la composición 4'33") y su despliegue rompedor del azar y luego la indeterminación, y culmina con su innovadora obra multimedia, que empezó en la década de 1960 y prosiguió hasta la de 1980. Una de las secciones principales de la exposición muestra la red de repercusiones a medida que la radical transformación conceptual de la «composición» por parte de Cage introducía las estrategias del arte avanzado. Una trayectoria enmarcada por los diálogos con artistas –Marcel Duchamp y Robert Rauschenberg, entre muchos otros– que reacciona ante los mismos medios de comunicación incipientes que Andy Warhol.

La exposición revela las estrategias radicales utilizadas por Cage para perfeccionar la composición y ampliar sus parámetros, forjando un nuevo camino relevante para la generación de artistas post-Pollock. En un momento en que la pintura moderna y la subjetividad dejaban de ser fórmulas viables de la práctica artística, Cage impartía clases de composición experimental a una nueva generación de artistas en la New School for Social Research de Nueva York (1956-1960). Muchos de los alumnos de Cage y coetáneos suyos hallarían pronto su lugar en el centro de las nuevas vanguardias, desde Fluxus hasta el arte conceptual. Cage pasó a ser de este modo una de les fuerzas vivas tras el giro copernicano del arte de la posguerra a principios de la década de 1960, situado en la cúspide de la modernidad y la posmodernidad.

Las grabaciones de sonidos, los filmes, las músicas y los materiales documentales dan una idea del extraordinario alcance de las innovaciones conceptuales y teóricas de Cage. Para ilustrarlo, la exposición presenta una parte de la obra que llevó a cabo en colaboración con otros artistas, desde la música que compuso para amplificar la experiencia visual de los rotorrelieves de Marcel Duchamp al principio de su trayectoria (1947) hasta la colaboración músico-poética con su compañero anarquista Jackson Mac Low, pasando por las obras con luz aleatoria, sombras y sonidos ambiente de la ciudad de Nueva York realizadas como parte del proyecto «Experimentos en arte y tecnología» de Rauschenberg. Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI. Los hitos de su obra revelan un «Cage conceptual» y se expondrán en relación directa con obras clave de contemporáneos suyos que compartieron sus compromisos con lo nuevo, lo no subjetivo y lo cambiante, y abrazaron la tecnología que redefiniría toda la experiencia perceptiva: desde White Paintings de Rauschenberg (1951) y Box with the Sound of its Own Making de Robert Morris (1961) hasta el nuevo mediascape de «Exploding Plastic Inevitable» de Warhol, y más allá".

Comisaria: Julia Robinson

Producción: Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con el Henie Onstad Kunstsenter, Hovikodden

Enlaces:

• MACBA: John Cage y arte experimental: La anarquía del silencio
• John Cage: http://www.johncage.info/
• Last.fm John Cage (fotos, audio y vídeo): http://www.lastfm.es/music/John+Cage/

Vídeo YouTube. La anarquía del silencio: John Cage y el arte experimental en el MACBA. Julia Robinson, Comisaria.

Vídeo YouTube: John Cage about silence

Vídeo YouTube: John Cage. Dream (1948).

Vídeo YouTube: John Cage. Suite for Toy Piano. Performed by Steve Butters.

Vídeo YouTube: John Cage 4'33'' for piano (1952)

Vídeo YouTube. Sonata V de "Sonatas and Interludes" para piano preparado de John Cage. Bobby Mitchell (piano) y Katy Mitchell.

Vídeo YouTube: John Cage. Bacchanale, for prepared piano" (por Stephen Drury).

Vídeo YouTube: Marcel Duchamp and John Cage. Dreams that Money can Buy es un film de 1947 producido y dirigido por el artista surrealista y teórico del cine dadá Hans Richter en el que participaron otros muchos artistas (Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray, Alexander Calder, Darios Milhaud y Fernand Léger). Este es el fragmento (Disc) de Duchamp con música de John Cage.

Vídeo YouTube 27 sounds manufactured in a kitchen. John Cage.

Vídeo YouTube: Documental sobre John Cage y sus trabajos /performances, dirigido por Peter Greenaway, parte de la serie "Four American Composers" (1983).

Exposición Escrituras en libertad. Poesía Experimental Española e Hispanoamericana del Siglo XX

La sede del Instituto Cervantes de Madrid muestra la exposición Escrituras en libertad: Poesía Experimental Española e Hispanoamericana del siglo XX, abierta hasta el 23 de mayo.

Como reza la presentación del Instituto Cervantes: "Esta exposición acerca al público por primera vez las poéticas experimentales que se han generado en España e Hispanoamérica a lo largo del siglo XX. Se centra en dos periodos claves, principios de siglo y años sesenta.

De la primera parte se mostrará la obra de una larga nómina de autores como J. M. Junoy, Guillermo de Torre, Ernesto Giménez Caballero, y por la parte americana, Juan José Tablada y Vicente Huidobro. Partiendo de los «caligramas» de Julio Campal, se mostrará la obra de los autores más destacados que comienzan en la década de los sesenta: Juan Hidalgo, Fernando Millán, Joan Brossa, Francisco Pino, Juan Eduardo Cirlot, José Miguel Ullán, etc. Paralelamente se presentarán piezas de autores contemporáneos hispanoamericanos: Edgardo A. Vigo, Ulises Carrión, Clemente Padín y Guillermo Deisler. Las últimas generaciones estarán presentes a través de la obra de Antonio Gómez, Bartolomé Ferrando y Eduardo Scala".

Ha sido, para mí una experiencia muy enriquecedora disfrutar, en un mismo lugar, de la obra de esta gran nómina de grandes figuras de la literatura hecha arte. La exposición combina elementos textuales, gráficos y materiales audiovisuales. He aquí un ejemplo histórico (incluido en dicha exposición) que me ha parecido poéticamente inteligente, artísticamente transcendente, racionalmente delirante y, sobre todo, ferozmente hilarante. Muy útil para desentumecer mentes adormecidas y/o adocenadas.

El orador. Monólogo de Ramón Gómez de la Serna rodado en 1928 por Feliciano Vítores.

La poesía experimental se llevó a cabo sobre la página impresa, pero ya quiso salirse de ella moldeando las palabras y los signos y creando los llamados poemas objeto. Se produce una tensión entre lo verbal y lo visual, lo simbólico y lo icónico. Se pretende romper también no sólo con la orientación de la lectura de izquierda a derecha, que se piensa que es en realidad una representación arbitraria de la cadena secuencial del lenguaje hablado, sino también con la página bidimensional, también leída de izquierda a derecha y de arriba a abajo.

La poesía de las vanguardias históricas dio también lugar a una dialéctica no sólo entre la imagen y el texto, sino también entre el sonido y el texto. La poesía fonética ligada al futurismo, el dadaísmo y MERZ y a las vanguardias históricas de principios del siglo XX fue un intento de introducir en el terreno literario el irracionalismo y de expresar las palabras con diversos sonidos. La poesía sonora no es poesía recitada o declamada al modo tradicional, sino poesía experimental que utiliza técnicas fonéticas y/o ruidos. Se evita usar la palabra como mero vehículo del significado y se compone el poema mediante sonidos que requieren una realización acústica. No es una mezcla de música y discurso o viceversa, sino que el discurso se hace música o viceversa. El poema sale de la página para ser recitado con la voz, pudiéndose acompañar de diferentes instrumentos, como martillos, timbales, maderas, o declamaciones simultáneas con otras declamaciones.

La poesía es un arte que utiliza las palabras como materia prima. La poesía visual enriqueció la palabra dándole cuerpo a la superficie del papel, pero también se intentó dar cuerpo a la palabra utilizando otro tipo de materiales. Así surgen poemas hechos en madera, vidrio, metal o plexiglás, y también los libros o poemas objeto. Lo que se quiere es trascender la linealidad y rigidez del soporte papel y del formato impreso. La poesía visual en todas sus vertientes está a medio camino entre la literatura y las artes visuales y/o audiovisuales.

El signo verbal impreso queda fijado en la rigidez de la página, igual que le ocurre a una línea sobre un lienzo. La poesía y el arte de vanguardia pretendían -y pretenden- romper el uno con la narrativa y, el otro con el arte figurativo, pretendían romper con lo lineal del discurso y la visión. Buscaban una tridimensionalidad no estable, sino inestable, mutable. El lector del texto o de la imagen podía experimentar distintas perspectivas pues el texto varía de dirección, velocidad, distancia, orden y ángulo de lectura. Esto se ha conseguido y hecho realidad con la Poesía visual realizada por ordenador. En la Web prolifera no sólo este tipo de poesía, sino que también hacen su aparición muchos hipertextos literarios que aprovechan las posibilidades que ofrece la pantalla del ordenador para trascender la linealidad de la página impresa, al igual que prolifera el arte digital que combina texto, imagen y sonido como "escritura en libertad".

Siempre ha existido escritura sensorial incluso desde los inicios de la propia escritura. La poesía, por tratarse de una disciplina que utiliza el signo lingüístico, pero que tiene en cuenta la forma de expresión y no sólo el contenido textual, ha sido el género literario que más ha perseguido conjugar imagen y texto, sonido y texto o una combinación de todos los medios expresivos posibles, por eso se convierte en un género a medio camino entre la literatura y el arte. La poesía es en sí misma una literatura/arte multimedia que persigue imágenes mentales a través del texto, y que también ha utilizado imágenes reales para representar el texto. En poesía, el pensamiento racional y el pensamiento sensorial no se enfrentan, sino que se conjugan y confunden en un todo. Los movimientos literarios de vanguardia, al querer romper con los convencionalismos del lenguaje y la expresión racional: el modernismo, el futurismo, el creacionismo y las vanguardias de principios del siglo XX rompen las barreras que tradicionalmente han separado la imagen del texto y la expresión sensorial de la expresión racional.

La hipermedia, en parte, tiene muchas conexiones con el arte de vanguardia: el cubismo, el collage, el ideal de la poesía futurista de las "palabras en libertad" y de que el poema debe salir de la página e incluso con muchos de los principios del manifiesto de Marinetti: "La declamación dinámica y sinóptica" en que se basa el futurismo.

Animamos al Instituto Cervantes a que organice una segunda parte -continuación de esta exposición- basada en el arte y la literatura digital actuales que utiliza la "escritura en libertad". Esta vez materializada en la realidad, virtualizada a través de las pantallas, gracias al hipertexto, la interactividad, la multimedialidad, el dinamismo y la multisecuencialidad.